尤金·史密斯 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 12:41:07 生 平 简 介 史密斯（1918-1978年） 尤金·史密斯于1918年生于美国堪萨斯州的维琪塔市。十四岁读中学时，就热衷于航空体育摄影，并受新闻摄影师法兰克·诺埃的启蒙摄影教育。中学毕业后，受雇于该市的《鹰报》、《灯塔报》任摄影记者，拍摄了有名的美国中西部沙漠盆地灾荒景象。1936年，史密斯获得一笔特殊的摄影奖学金，入鹿特丹大学。受过正规高等教育的尤金·史密斯,从此才有资格加入刚创刊不久的《生活》杂志工作,并成为《新闻周刊》的一员.由于他坚持使用当时刚刚问世的6×6小型照相机照片,这个刊物竟开除了他.当时这些大杂志都采用大型照相机,讲究照片的精美以迎合读者.史密斯认为使用小型照相机有更大的探索自由.他不满足于那种"景深极大,感情深度不足"的作品,宁肯失业也要进行"自由摄影". 在一次拍摄模拟战争照片时,史密斯不幸被炸伤,因此在1942年二次世界大战开始后,申请加入爱德华·史泰钦领导的美国海军摄影队,因身体不合格未录取.不过,史密斯一心要作战地记者的决心没有丝毫改变,终于任数种刊物驻大西洋战区记者;后来他又被一家出版公司派往"独立号"航空母舰采访太平洋战区许多岛屿战役.1944年再度加入《生活》杂志,继续在太平洋战区工作.著名的《赛班岛》等就是这一时期的作品.他用照相机报道了残酷的战争,自己也在战争中一次又一次地负伤,终于因伤势严重而返回纽约治疗.两年后,也就是战后的1946年他重新拿起照相机拍摄的第一幅作品就是著名的《乐园之路》.这幅照片在史泰钦主办的《人类一家》展览会上展出,成为世界知名之作. 战后的年代里,史密斯用照相机抓取了严峻而富有希望的当代生活情景,他的照片成为对社会生活的典型纪录.他说"我设法用我的工作去影响人民,设法用照片支引导他们,使他们能够作出自己的结论."他把镜头对准那些他选出来的典型英雄人物,情操高尚的普通人以及社会不公正的受害者.1971年他奋不顾身地报道了日本一大化工厂排放毒物,污染了当地水源而危及万余人的事件,为新闻摄影敢于揭露社会矛盾树立了榜样. 史密斯倡导"摄影文章",类似我们称作"专题摄影"的形式,这使他的摄影作品具有更丰富、充实的内容和深刻的人物思想风貌.例如他的《乡村医生》、《助产士》、《西班牙村落》、《三K党》、《无菌生活研究》等等,都深刻地刻划了人物和事件而使人有极深刻的印象和理解. 尤金·史密斯是一位英勇、富于正义感的杰出摄影家.1958年被评为世界十大摄影名家之一.他因多次受伤患病,健康情况不佳,于1978年10月5日去世. 作 品 选 介: 乐园之路 (1946年) 此主题相关图片如下： 在战争中多次负伤的尤金o史密斯,于1945年5月又一次被炮火击中,伤势严重,被遣返纽约接受手术治疗.将近两年的时间他不能摄影,一当他可以活动的时候,就立刻抓起照相机.他战后的第一幅作品,就是他带着自己的两个孩子在园中散步时,忍着伤痛拍下的这一幅意境深邃的杰作.他说,当时他想拍出一张"和我先前拍战争照片相矛盾,相对比的照片."他跟在两个孩子的背后,当孩子在林间携手走在小径上,接近一处林间空地,一道光亮从上空洒落时,他赶紧吃力地按下了快门.他给这幅照片取的标题是《乐园之路》,有的出版物给改作《走向光明》,这样附会的标题不如史密斯自己取得好.史密斯说他的标题"大部分人都以为有宗教的涵意,其实是献给音乐的.因为歌剧《乡村的罗米欧与朱丽叶》中有支曲名叫《乐园之路》…… 我认为它显示了希望." 这幅作品体现了史密斯在摄影的"黑白世界"里所解释的哲理---黑暗与光明的对抗,而在对抗中,实际上揭示出进入光明的主题.他曾说:"我喜欢来自黑暗中的光亮,我喜欢征服黑暗画面,而我的许多作品都是这种样子,这是我拍照时看事物的方式." 《乐园之路》这幅作品,同时也因史泰钦主持的《人类一家》摄影展览会上展出而赢得世界性的赞誉. 捻线的村妇 (1951年) 此主题相关图片如下： 1951年,史密斯怀着对西班牙人民的关心和同情及对佛朗歌暴政的不满,他悄悄深入到远离大都会的一座贫困的村落.他把整个乡村作为他"摄影文章"中的主角,进行了精彩的报道:"人民慢条斯理地从贫瘠的土壤中力求得到温饱.多少世纪以来的歧视、剥削、如当前的极权政治沉重地压在他们身上;但是,这些人并没有被压垮." 《捻线的村妇》是这篇报道中精美的一幅,它表现了村落里穷困劳累的农妇,用最原始的方式捻线、缝衣.自然的劳作体态,蕴含着简朴的美,粗布长袍也显示着村民是用自己的双手换取温饱.这样无求于他人的劳动者,加在她们头上的任何政治都是多余的. 后来,马德里当局的秘密警察进村驱逐了史密斯,然而关于《西班牙村落》的报道已经完成. 水俣 (1972年) 此主题相关图片如下： 1972年,尤金·史密斯随犹太博物馆到日本展出,来到日本南部的一个城市.这里因工业污染而受到水银中毒的渔民群众受害严重.史密斯决心报道这一事件,在渔村中住了下来.一个外国人要了解受害者的各种情况,首先是要渔民信任他.他同渔民同吃同住达三年之久.当渔民组织起来同排放污染物的工厂主斗争的时候,厂方竟雇拥六个打手把史密斯倒吊毒打致伤.史密斯没有停止工作,继续同渔民一起进行反污染斗争,终于取得胜利.史密斯拍摄的《水俣》专题照片在日本和美国的杂志发表,史密斯也被日本群众称为"英雄". 这幅照片是史密斯报道"水俣"事件中的一幅,渔民打捞上来的是受污染的毒鱼.照片用黄昏时分的逆光表现,渔船上的两个渔民成轮廓清晰的剪影,使照片的内容带上沉重的悲剧色彩.特别巧妙的是点明主题的那条有毒的鱼,落上深色的渔网上反射着落日的余光,突出夺目.史密斯善于把严肃的内容,用摄影的艺术手法,拍成既可揭示深刻的思想,又具有完美的艺术形式的经典性照片.

巴里切尔·曼茨 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 12:45:17 生 平 简 介 巴里切尔·曼茨 他是苏联星火杂志有名的摄影记者,摄影艺术家.从1941年起开始了摄影生活,他在战争年代拍摄的珍贵照片如痛苦 坦克冲锋 柴可夫斯基等使人真切地回忆起艰苦岁月时,苏联人的牺牲和英勇精神.战后,巴里切尔曼茨的创作转向忠实地描绘苏联人民的新生活 他们的智慧和创造性劳动.他的错误在那里 黑海的采油工人 一幅新画 农村婚礼等受到好评.巴里切尔曼茨是在新闻摄影中实行抓拍,又在一些经过长期构思的主题性 情节性作品中实行摆拍.如在战争年代拍摄的作品柴可夫斯基以及和平时期拍摄的错误在哪里都进行过组织加工和摆布,但是,人们并不情疑它的真实性,因为这些作品从主题到形象,都是作者在生活中耳闻目睹,亲自观察到的,有的不失时机地立即拍摄下来了,有的经过长时间的思索 酝酿 构思 提炼,然后才付诸拍摄,这种情况下的组织加工和摆布正经属于艺术创作范畴,跟新闻摄影采访活动中的抓拍是两回事.巴里切尔曼茨的许多优秀摄影作品,已经从实践方面回答了摆拍这种拍摄方法是摄影艺术创作必要的辅助手段,有它存在的价值.1954年摄影家巴里切尔曼茨曾来我国访问并与我国摄影界座谈交流创作经验. 作 品 选 介: 错误在哪里 (1953年) 此主题相关图片如下： 拍摄的是列宁格勒少年先锋宫中两个飞机模型制造者、七年级学生阿廖沙·沃罗比耶夫和干纳基·欣平科.作品生动地表现了苏联儿童热爱科学、独立思考的可爱品质.但是,这幅作品不是抓拍而是摆拍的,情况是这样的:在莫斯科的一个少年宫里,作者看见了这样一个场面,当时,他仔细观察了他们的姿态和表情,觉得这是一个很有意义的值得拍摄的题材.但是,当时没有来得及拍摄,可是,他把这个场面牢记在心里.半年以后,巴里切尔曼茨到了列宁格勒,这里也有航模小组的活动,于是他组织拍摄了这幅作品.什么样的题材可以组织、摆布,什么样的不可以,关于这个问题,巴里切尔曼茨是这样解释的,他说:"新闻照片是不能组织的,摄影记者不能去干预事件,只能从中选择那些最能说明问题的镜头;专题报道除去某些场面不能任意组织外,有些场面是可以的".关键在于"应该把'事件'和'现象'区别开来."也就是说'事件'性的场面不能组织摆布,'现象'性的可以.这样一个区分标准和创作原则曾为不少人接受,有它一定的道理在里边,值得摄影理论界进一步探讨. 痛 苦 此主题相关图片如下： "忘记过去,就意味着背叛."苏联人民牢牢地记着这句话.第二次世界大战期间,为了抗击法西斯侵略,保卫苏维埃祖国,苏联牺牲了两千万人,几乎每一家每一户都在战争中失去了亲人,因此,苏联人民对侵略战争憎恶是可以理解的,苏联文学艺术中重视反映战争题材也是很自然的.《痛苦》是摄影艺术中反映苏联人民这种情绪的力作之一,它以真实的触目惊心的形象,唤起千千万万的人对战争的惨痛回忆,人们起来制止战争保卫和平.作品展示的是一个初冬的早晨,一场激烈的战斗结束了,为国捐躯的战士以及被法西斯杀害的无辜人民,他们躺在泥泞的、坑坑洼洼的、冰冷的土地上,老乡们的辨认着寻觅着自己的亲人的尸体.近景上那位在烈士身边扬起双臂号啕大哭的老母亲、中景上正在弯腰仔细察看辨认又因惨不忍睹而掩面抽泣的妇女,以及远景上默哀的人群,构成了一幅充满悲伤和壮烈感情色彩的戏剧性场面.这幅作品是苏联卫国战争期间拍摄的一幅记实照片,当时巴里切尔曼茨正在军队报纸任摄影记者,他把自己的拍摄活动和整个人民利益联系在一起,使他的作品既有文献性的历史价值,又有创造性的艺术价值.《痛苦》是对法西斯惨绝人寰的屠杀罪行的血泪控诉,也向人民提醒"不要忘记过去"的深刻教训.国外评论界有人认为天空拍摄得"不太真实","作品有些做作",我们认为,这也是可以讨论的,事实上这种自然景象是常有的,悲伤的场面不一定在阴霾、低沉的环境里,欢乐的场面也不一定在睛朗、高远的背景上.从艺术表现上说,环境与主题含意可以是相辅相成,也可相反相成.象这幅作品中蓝天白云,晴朗的天气,更加反衬出悲剧气氛.中国古诗云"昔我往矣,杨柳依依;今我来思,雨雪霏霏."用的是"以乐景写哀"于是,便"倍增其哀乐".艺术表现的问题是个复杂的问题,只有按照艺术的规律才能真正理解它和运用它.

罗伯特·卡帕 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:06:47 生 平 简 介 罗伯特·卡帕是匈牙利人,1913年生于布达佩斯,原名安德烈,卡帕是他的笔名.他17岁时就立志要当摄影家.在柏林大学求学后,先在柏林一家通讯社做暗房工作,后到巴黎当记者.由于他的摄影作品受到一家摄影杂志社的重视,他便被委派到战地进行采访. 1936年西班牙内战,卡帕在西班牙战场拍摄了一个战士中弹将要倒下,这幅使人有身临其境之感的作品以《西班牙战士》、《战场的殉难者》、《阵亡的一瞬间》等标题发表,立刻震动了当时的摄影界,成为战争摄影的不朽之作,也成为卡帕的传世之作. 和卡帕一起到西班牙采访的还有他的年青女友,德藉女摄影家葛尔德o达娜.他们共同奋不顾身地出没于硝烟弥漫的战场,达娜不幸死于坦克履带下.悲伤的卡帕,从此永远凝视关注着战场.他一生的摄影创作多取材于战争.他把照相机作为揭露战争的武器.卡帕说:"照相机本身并不能阻止战争,但照相机拍出的照片可以揭露战争,阻止战争的发展". 1937年,日本军国主义发动了对中国的侵略,第二年卡帕与《西行漫记》的作者斯诺一同约定赴延安采访,但是到了西安,受到国民党的阻挠,卡帕未能成行,当时他是抗日战争中唯一能在中国战区采访的盟军战地记者.他在上海等地,拍摄了许多揭露日本侵略军的罪行的新闻照片,公诸于世,后又去英国、北非、意大利进行摄影采访.1944年,他随联合国部队开辟第二战场,参加了在法国北部诺曼第的登陆战,拍摄了极为精彩的报道照片. 1946年,卡帕与波兰籍的西摩和法国籍的布勒松在纽约相聚.他们组成了"梅根"摄影通讯社,在巴黎和纽约设办事机构.后来陆续加入一些其它著名摄影家,如美国的罗嘉,瑞士的比索夫等.在"梅根社"成立后的三十年中西方世界任何一个角落发生大事,都有他们的摄影记者在场.他们以忘我的热情,甚至不惜以鲜血和生命深入到第一线去拍摄,为新闻摄影的形式和内容树立了新的典范. 1954年,卡帕不顾亲友的劝阻,悄悄来到越南战场.他用照相机反映了《越南的悲剧》(卡帕的最后一幅作品题名),不幸误踏地雷身亡,时年四十一岁.1954年6月25日,美国各晚报都登出卡帕的死讯.第二天《每日新闻》用大标题报道"关于卡帕之死",纽约各地电视台,电台和时报也以极大篇幅刊登报道,一致赞扬他是一个最勇敢的战地摄影家.为了纪念他,世界上曾举办十三次卡帕个人作品展览,许多有世界影响的摄影书刊都介绍过他.卡帕的作品在美国,英国， 法国出版过专集.1955年美国《生活》杂志和"海外记者俱乐部"设立了"罗伯特o卡帕金质奖",用以鼓励在新闻摄影上有成就的摄影记者.1966年,美国成立了"关心人的摄影基金会",以纪念卡帕及其它梅根社牺牲了的摄影家们. 作 品 选 介 诺曼第登陆战 (1944年) 此主题相关图片如下： 按摄影常规,这是一张被认为技术上存在许多缺陷的照片,但,它又确确实实足以称为优秀的甚至是杰出的战争摄影佳作.象这类照片只有那些头脑清醒,嗅觉敏锐,摄影技术娴熟,并且有着过人的勇敢精神的摄影家才能拍到. 1944年6月6日,在第二次世界大战进入最激烈阶段,盟军正开辟第二战场,摄影家卡帕象一个普通战士一样随联合国部队乘登陆军舰艇,冒着浓密的炮火,强行登陆.当他跳下舰艇,站在阴雾沉沉,波涛汹涌,齐胸深的海水中,向岸边挺进时,他看到了一个历史性场面,也意识到自己的历史使命；他来不及严格调整光圈清晰地对焦,一口气拍下了一百六十个镜头(亦说是一百零六张).不过,这些用胆略和机智拍摄下的胶卷,在冲洗中出了问题。原来,暗房工人冲洗烤干时,看到这些画面激动不已,工作上出现差错,烘干箱的温度太高, 烤熔了胶片的乳剂膜.经过抢救,保存了八张.美国《生活》杂志刊登这幅照片,编辑在标题下写到:"这个时候卡帕的手正在颤抖!" 照片上的虚浮模糊的影象,可能是摄影时,情况紧张来不及仔细调焦,或者握照相机的手颤抖,或者是烘烤中事故造成的.我们看不到原底,无法科学鉴定.但是这并不重要.现在的问题是这种虚浮模糊的影像是不是这幅照片的致命弱点.应该说这既是一个摄影美学的问题,也是一个照片欣赏中的实际问题.可以大胆肯定,在这张照片里,虚的问题不但没有损害这张相片,相反,大大提高了作品的艺术价值和审美感染力.进行战争摄影当然不可能"闲庭信步"式地支上三角架,审慎对光,而且,正由于这种虚动的影子,使我们仿佛置身战争岁月,进入作品规定的情景.在炮火震撼着大地,浪涛冲击着战士身躯的时候,你看任何东西难道不是这样幌动的景象么,这轻微模糊,含蓄地表现出战斗紧张,环境恶劣,同时也显示出摄影家的大智大勇,对事业的忠诚. 毕加索和他的儿子 (1948年) 此主题相关图片如下： 艺术大师的数以万计的包括各种风格流派的作品,我们不难看到,但艺术大师的精神、气质、他们的内心世界和家庭生活,我们却比较难以看到.这幅照片满足了人们这方面的审美需要.照片表现了已经六十七岁的毕加索和他的小小儿子罗度在一起的富有生活趣味的场面.这幅作品之所以受到人们加倍重视和赞赏,还有这样的原因:原来,艺术大师毕加索有一个怪癖,他从来不允许新闻摄影界人士拍他的私人生活照片.也许是不乐于发表,也许是这方面吃过什么亏,或者出于某种固有观念,不管怎么说,反正带着照相机的不速之客是难以登他之堂,入他之室的.卡帕和另外少数摄影家,可说是天大的例外.当卡帕向毕加索提出要为他拍一组家庭生活照片时,居然得到毕氏的慷慨应允,这是因为毕加索对卡帕的摄影艺术留有深刻的印象,特别是卡帕热爱自由,关心人,始终站在战争受难者一边和为事业勇于自我牺牲的勇敢精神,使毕加索深为敬佩,才破例接待了他."照片即人"这里套用布封的话,是想说明,摄影家的作品, 同样是他的人品,思想,趣味,追求的表露,人们是通过作品来了解一个人的,这对每一个热爱摄影的人立身处世及进行摄影创作都很有益.

哈尔斯曼(1908- ) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:14:40 此主题相关图片如下： 生 平 简 介 哈尔斯曼(1908- ) 哈尔斯曼曾在美国《大众摄影》编辑部举行的国际性评比中被评为世界十大摄影名家之一.哈尔斯曼1906年出生于拉脱维亚的首都里加,在德国德累斯顿一所技术学校学过机械.当时是一位业余摄影爱好者,对拍人像有特殊的兴趣.因为觉得搞机械太枯燥,所以毕业前一年就下决心要改行搞摄影.在法国侨居几年终于成了摄影名家.第二次世界大战开始时移居美国,从此,以美国为中心,周游世界,广为创作.他曾为《生活》画报拍摄过87幅封面照片,创个人采用率最高纪录.他的主要成就在人像、时装、广告等体裁领域,这方面体裁本身决定了他的作品要细致入微地描绘现实,除此之外,他大搞所谓标新立异,奉行超现实主义创作方法,和那些纪实的作品相比较,简直判若出自两人之手.他的著作有《达里的胡子》、《跳跃的书》等.在理论上,哈尔斯曼极力倡导"有创见的摄影作品",认为"假使拍的照片总是平平常常的话,就不会吸引读者."有创见的作品从哪里来?他认为:所谓创作能力莫如按照法语的解释,指思考能力而言,"这句话本身是没有错的,问题是怎样思考,哈尔斯曼在《论摄影意念的产生》(后改为《摄影的创作》)一书里,一方面提供了思考的原则和方法,对人有一定启发,一方面在具体的论证时,渗透了弗洛伊德学说,和一些不择手段的作法. 作 品 选 介 超现实主义画家达利 (1954年) 此主题相关图片如下： 西班牙画家达里是最有影响的超现实主义画家,他热衷于描绘"梦境和偏执的幻想".哈尔斯曼为他拍摄了一本《达里的胡子》是两个超现实主义者的合作结果.追求标新立异的哈尔斯曼拍摄的达里像,用一块三棱镜分出三个眼睛,怪则怪矣!但对达里这个不用普通眼睛看世界的超现实主义画家来说,未尝不是一种符合这个人物的表现方法.难怪西方美术评论家把达里称作二十世纪的"怪才",通过这幅照片,不难想到达里把他的才能总是浪费在荒诞不经的怪念头上去…… 玛 琪 此主题相关图片如下： 哈尔斯曼曾在巴黎开设照相馆,长于拍摄人像.这一幅舞蹈家玛琪的像,给人们一种强韧的美感.有的人评论说哈尔斯曼拍摄的女人像,好象富于弹性的钢丝,而合乎今天美国人的审美观点.可能是由于这个原因,美国《生活》杂志封面采用他的作品居多. 哈尔斯曼把人像拍出自己的风格,奥妙在于用光.他把少量的光线集中在脸部,勾画了清晰的,有韧性的线条,并且吸引了视线投于有锐利焦点的面部.

尤素福·卡休 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:22:55 生 平 简 介 卡休(1908- ) 尤素福·卡休1908年生于东土耳其马尔丁的阿美尼亚人家庭,幼时家境清贫.1925年移居到加拿大在他的叔父纳·卡休开的照相馆里帮工.17岁时,他的叔父给他买了一台盒式照相机,卡休用它拍成的作品,参加当地一家百货公司摄影竞赛获得第一名,由于他叔父的进一步鼓励,并把卡休送到美国波士顿第一流人像摄影师约翰·嘉罗的摄影室,这里是照相馆,也是小小的"文艺沙龙",一些艺术家名流经常汇聚在那里谈论艺术,品评作品,卡休从中受到许多有益的艺术营养.卡休回顾他的成就时说:"嘉罗使我相信自己的眼光和看法,波士顿是我的大学和母校." 1933年,卡休回到加拿大,在渥太华开设照相馆.他和老师一样,结交艺术家,和渥太华小剧院的演员交往密切,并从舞台灯光的运用中得到启示,着意于用光线渲染情趣.这是对当时照相馆中一般布光方法的突破. 卡休在首都渥太华与政界来往,为许多政府要人拍照,开始有了声望,很多来访的政治家也都要到他的照相馆拍摄肖像.1941年12月战时的英国首相丘吉尔访问加拿大.卡休通过加拿大的总理,要求为丘吉尔摄影.丘吉尔的相片使卡休誉满全球,很快在全世界流传,据说是自有摄影艺术以来传播最广的一幅照片.有七个国家印在邮票上.丘吉尔的形象被称为英国战时精神的象征.而卡休说:"自此以后,我便没有休息时间了."1947年,加拿大政府以卡休对艺术和文化有莫大贡献,授予他加拿大荣誉市民身份. 卡休的人像摄影自成一格.他用8×10寸大尺寸底片相机和结象力极佳的镜头.所以他的人像照片,层次丰富,影纹清晰,影调细腻,质感强烈.他的大部分肖像作品采用低调,他认为低调可以最大限度地突出人物形象,并有厚重感,安定感和依赖感.他特别注意对人物的眼睛和双手的表现.他说:"人物内在的思想精神和感情,有时会在一瞬之间,通过他的眼睛,双手和体态表现出来." 卡休的作品能自成一家,是与他创作中的深思熟虑分不开的.他每拍摄一位人物之前,都要对拍摄对象作深入的了解和研究,他经常用头天晚上失眠时间的长短来判断第二天照片成功的程度. 作 品 选 介: 丘吉尔 (1941年) 此主题相关图片如下： 1941年12月,33 岁的卡休要求为访问加拿大的英国首相丘吉尔拍摄肖像.那一天,他在议会大厅听完丘吉尔的讲演,就急忙赶到另一间屋子--议长室,那里他摆好了灯光和照相机.丘吉尔由加拿大总理麦肯齐·金引导走进议长室,丘吉尔口衔雪茄问道:"这是要干什么?"卡休忙向前:"阁下,我希望给你拍一张照片以纪念这次历史盛会."拍照时,卡休觉得丘吉尔总是叼着烟,露出一丝刚散会后的悠闲劲儿,跟他理解的,也就是丘吉尔惯常的神情不大一样,于是,他突然地走近丘吉尔,把丘吉尔嘴上的雪茄扯了下来.丘吉尔正要发怒,卡休按了快门,一幅闻名世界的杰作诞生了. 这幅丘吉尔肖像在全世界广泛流传,拍完这幅照片后,丘吉尔握住卡休的手说:"你的权力很大,可以叫一个怒吼的雄狮静下来". 爱 因 斯 坦 此主题相关图片如下： 这是一张用光细腻典雅,完全按照传统布光法则拍成的作品,和卡休一向的肖像风格大异其趣.卡休一向采用极其严谨的布光法,即取重点布光法.但是,卓越的艺术家都是把塑造人物形象作为自己的创作准则的,至于艺术技巧乃是为创作服务,是服从于整个艺术构思的.《爱恩斯坦》形象的塑造就是运用这种创作原则的突出范例.我们知道,爱因斯坦是一位天才的数学家,1921诺贝尔奖金的获得者.他发现相对论不仅在物理学上有重大贡献,在哲学上也有重大的认识价值.根据卡休的理解,不舍弃大刀阔斧的表现,不取仔细描绘的办法不足以表现爱因斯坦的天才和智慧.因此,卡休不厌其烦,在这里采用了主光,辅光,背景光,修饰光等,灯具虽多,但光线投射角和照明度井井有条;细致描绘,又没有主次不分,平均分配力量的弊病.作者的重点仍然在那一双炯炯有神,充分显露科学家的天才和智慧的眼睛,至于科学家满头银发,脸上的每一条皱纹及富有表现力的一双手也是塑造形象不可缺少的,这些也都得到充分表现.这幅作品充分显示了作者的艺术功力和对科学家的深刻理解.卡休一反常态,拍出这幅和他的风格迥异其趣的典雅细腻的作品,说明摄影家的风格不是一成不变的,而对丰富复杂的大千世界,艺术家对具体题材的处理是不可采取"以不变应万变"的态度,而必须根据内容,根据主题需要来决定应该采取的艺术手法和基调.

雷兰达(1813-1875年) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:26:50 生 平 简 介 雷兰达(1813-1875年) 奥斯卡·格斯塔维·雷兰达,出生于瑞典,本来是罗马画家,不久又移居英国.他在从事绘画的同时,也拍一些供美术家们学习研究之用的照片.后来经营一家照相馆,专门拍摄人像.在社会上出现努力争取把摄影提高到艺术境界的浪潮中,雷兰达一马当先,做出了卓越贡献.他所采取的途径是制作寓意照片.具体方法是经过周密构思,确立主题,画出草图,然后按图拍摄,多底合成.这样摄制的照片,有明显的绘画性,从构图布局,到光影色调,都给人酷似绘画的效果.主题更不用说,采取传统绘画所贯常采用的,不外乎惩恶劝善,英雄美人之类.雷兰达及罗宾逊们掀起的这股绘画主义摄影潮流,影响很大.当时,甚至有人宣称:"摄影的新时代来临了." 有的还预言将出现摄影的提香和拉菲尔.提香和担菲尔都是文艺复兴极盛时期的著名画家,对油画、肖像画和壁画做出了大贡献.如果可以比拟,那么,雷兰达和罗宾逊在推进摄影成就成为艺术,及对摄影艺术的贡献来说,是可以称之为摄影的提香和拉菲尔的. 雷兰达的摄影作品由于受到维多利亚女王的赏识,受到阿尔巴特殿下的青睐,而名声大振.但他没有沉溺于这种名利双收的荣誉里,他在1859年写了一篇对自己作品表示不满的文章:"纯观赏性的摄影,特别是集锦照相,我已感到厌倦."他给罗宾逊的信里,也讲到他对这种合成法摄制照片的路子失去信心,决心朝其它方向探求. 作 品 选 介: 流浪儿 此主题相关图片如下： 以浩大的场面、呕心沥血的经营,用三十余幅底片合成一幅模仿古典希腊绘画风格的摄影家雷兰达,开创了摄影进入艺术之宫的时代.不过,雷兰达对自己从事的这种集锦照片提出了疑问.1859年,他写信给罗宾逊,表示对创作仅供人观赏的集锦照片失去信心,要向其它方面探索.雷兰达要向哪里探索呢?从这一幅作品当可窥见一二.这幅《流浪儿》,是在雷兰达开设的照相馆门口拍摄的.这天来了个流浪儿,他不合身的衣衫、光着大脚丫,一付惊惶不定的神色,瞪着大眼向雷兰达身边的照相机张望,雷兰达立即适时抓拍了下来.,流浪儿所处的位置,光线适中,神态自然,构图也符合这个不辜少年的环境. 这幅作品说明:即使最有代表性的绘画主义派摄影家,也不拒绝以纪实手法来反映现实.所谓抓派和摆派并不是水火不相容的. 人生之路 (1857年) 此主题相关图片如下： 这是早期绘画派摄影名作,在摄影发展史上是里程碑式的作品.它的主题思想并不奇特,是传统绘画经常采用的--劝善罚恶.画面的左边人群表示勤勉,友善,右边表示出贪婪、享乐,中间的人则有了悔恨的表示.老者似在给大家做忏悔,值得注意的是,象这样宏大的场面,众多的人物,表情动态多样复杂的又带有戏剧性画面,是怎样摄制成的?原来,这幅作品是用三十多张剪贴拼接而成,所以又称为集锦照片.它是摄影家根据既定主题和艺术构思,分别雇请模特儿扮演,人物的表情,姿态都按摄影家勾勒的草图安排妥当,然后拍摄下来,重新拼接.十九世纪五十年代,摄影术发明不久,摄影艺术初露头角人们对建立在摄影技术基础上的摄影艺术所独具的审美功能,它自身所具有的表现现实的特殊的艺术语言还认识不够,因而许多画家出身的摄影家为了提高摄影艺术在艺术上的地位,采取了仿画的画意风格.1857年,这幅16x31寸的大型照片参加了在曼彻斯举特行的"重要美术作品展览会",展出得到广大观众的赞赏,摄影艺术作品同当时最优秀的绘画、雕塑作品同室展出平起平坐,这在摄影史上是第一次.展出中,当时的维多利亚女王对这幅作品有很高评价,并特地订购下来,给阿巴特公爵挂在书房,这件事一时也传为美谈.

巴克斯(１９１２～) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:33:06 生 平 简 介 美国著名摄影家巴克斯,多才多艺,是诗人、作家、电影制片人和颇有名气的钢琴家,作曲家.１９３７年他花了１２.５美元买了一架旧照相,在西雅图的码头上聚精会神地拍建筑,拍人物,拍飞翔着的海鸥,一不小心,掉进海里了,幸亏消防队长用长杆把他救了出来.上岸以后,他浑身湿透,冻得打哆嗦,但他手里还拿着照相机.擦干了照相机以后,他又兴致勃勃地拍起来了.冲胶卷时,巴克斯的这次处女作被柯达公司的工作人员发现了,柯达公司为他这第一次的摄影作品举行了橱窗展览.这段富有传奇色彩的经历,奠定了他终生从事摄影的契机.当然外界鼓励只是因素之一而已.他之所以喜爱摄影,是因为他看到了这门艺术的独特的魅力,就是他所说的"直接感"和"照相机所具有的表现自己的主观感情的力量",也就是说,摄影艺术作品那种使人身临其境的真实感和亲切感打动了他. 巴克斯作为黑人摄影家,深受种族歧视的欺凌和压迫,所以他把"指出比我更不幸的人们(不管他们的肤色与种族)的困境是我的责任"作为自己的摄影宗旨.巴克斯的摄影初衷确实证明了他充分发挥了摄影艺术的社会功能用摄影"来维护好的的和谴责坏的".这种崇高的目的所产生的敏锐感,教会了他如何观察生活选择题材,也赋予他的作品以动人的思想力量和艺术魅力. 作 品 选 介: 葡萄牙乞丐 此主题相关图片如下： 这是作者漫步街头即兴抓拍的作品,它在刻划心理,表达情感方面精细入微,唯心主义产达到了足以震憾人们心灵的深度.儿子无力地蜷曲在妈妈怀抱,当乞丐的妈妈正伸手拾取别人施舍的钱币时,那无力的神情、哀怨的愁绪,真有摧肝断肠的力量.这幅作品非常令人信服地说明,摄影艺术的表现力是不可估量的.它在细致地深刻入微地描绘人们内心世界方面,比其它艺术毫不逊色,而且由于它是取材于客观存在的实际生活,因而更生动更感人.摄影的这种艺术表现力,当然不能归结为照相机的作用.照相机是靠人来操纵使用的,只有像巴克斯一样,既有好眼力,又对"不幸的人们"怀有深刻的感情的摄影家,才能发现并抓取这样感人的好镜头. 沙发上的一对 此主题相关图片如下： 巴克斯不愧是黑人自己的摄影家.他的本能,正确地说,应该是他的教养、他的经历,他所深受的挫折、凌辱,使他的镜头始终对着苦难的黑人兄弟和姐妹,表现他们的痛苦和欢乐,他们的愤懑和友情.他拍《美国的哥特人》不无讥讽意味地拍摄美国国旗下一位黑人妇女,她的左手拿着扫帚,右手拿拖把,眼睛里流露出她的辛酸和无言的抗议.他拍《父亲换尿布》通过一个家庭生活的细节,表现一位魁悟的黑人男子在儿子面前象母亲一样的心怀.这幅《沙发上的一对》也是富有深意的.作品的格调,像黑人的气质一样朴素,像黑人的歌曲一样深沉;老两口端端正正地并坐,一如墙上挂着的他们年轻时的结婚照一样,尽管时光流逝,他们已经老态龙钟,但从那打得紧紧的领结,那挺得笔直的腰板和有神的眼光里,依然可以领略这个伟大民族不屈的性格,巴克斯的摄影作品风格,就是这样质朴无华而又充满浓烈的感情和诗意.

秋山庄太郎 (１９２０～ ) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:40:45 生 平 简 介 秋山庄太郎 (１９２０～ ) 秋山庄太郎现在是日本摄影家协会委员,日本广告摄影家协会中央委员.他１９２０年生于日本东京.在早稻田大学商学部毕业的当年就自费出版了一本摄影集《翳》.这虽然是一本很朴素的黑白影集,但通过它已经显露出学生时代的秋山庄太郎富有感情地并带有某种浪漫摄取人物形象的特点. 秋山庄太郎在我们的印象中是一位专拍美女与时装的摄影专家,其实他的摄影题材并不局限于此.1947 ,他进入日本近代映画社工作.这以后直到１９５２年主要拍摄电影演员的肖像和生活照片.后来搞广告招贴画和时装照片.１９５５年前后,拍了许多话剧剧照、电影导演、作家的肖像和《夜学生生活》.日本评论家为,从这些照片里,显示了秋山庄太郎健康的平民思想感情. 秋山庄太郎确实拍了许多女性肖像,其中不少是漂亮的女性肖像,也有许多是普通女性肖像.她们相貌平平,并没有什么出众的地方,但是一经秋山庄太郎的处理,就使照片充分显露出本人的性格或气质的特点,使人产生朴素亲切感. 秋山庄太郎说,他的摄影创作就是"要把看来很平凡的人体,非凡地表现出来,"也就是说使蕴藏在平凡之中的个性表现在画面上."要在平凡的对象、平凡的画面里,引出值得拍摄的地方来,所以我的兴趣倒是从平凡的女性身上抽出她们具有的精神来."这段话,可以看作秋山庄太郎拍好女性肖像的秘密所在吧! 有人把他的照片叫做"秋山调".这说明,秋山庄太郎的作品有自己的风格特点.所谓"秋山调",除了他对女性肖像题材的专注,就是人物性格突出,看重表现妩媚、温柔、恬静的气质.艺术表现上无论用光,构图都追求高度的简洁,明快. 作 品 选 介: 东京的异国情调 (１９４５年) 此主题相关图片如下： 真正优秀的摄影作品,总是或直接或间接或明显或隐晦地反映出时代的气息,时代的精神,即使是人物肖像也不例外.这是秋山庄太郎１９４５年底拍摄的一幅街头小景,画面上一位日本女郎袒胸露背,披散着头发,右手漫不经心地卷弄着,目光流盼,表露出十分的野性,这是接受了西方某种生活方式在精神气质上的反映.画面右边,昂首阔步的美军在街上擦肩而过,商店招牌,广告标语充塞于市.要说这是一幅女像,勿宁说是一幅社会风俗照.它比较典型地反映了日本在侵略战争失败,在美军占领下的社会风气.看来,肖像摄影家的工作场所并不限于摄影室,走向社会,走向生活,就人发现镜头视野里是无比丰富的人物画廊,这里有人的悲欢离合和千姿百态,比之摄影室的静态的单一的肖像,有更高的社会价值和美学价值. 少 女 之 四 此主题相关图片如下： 原作是彩色片,作者运用的色调变化柔和的微弱光比,表达少女细润的肌肤和优雅的神情比较成功的.整幅画面不是平均使用光线, 按照画面伦勃朗的用光法,只有主体部分才给以充分照明,这个原则为许多摄影家所采用.秋山庄太郎在这幅作品也运用此法.高光部位在额头以下,面部最亮,用光圆润净洁,不滞不糊.花里胡捎,玩弄技巧,是任何成熟的摄影家所不取的.秋山庄太郎很讲究人像摄影的美,但他也不是通过表面技巧来取悦于人,而是在神情上,在性格上下功夫.这幅作品,少女的神态处理,也是值得注意的例证,作者注意在恬静平淡中表达一种端庄、文雅的静态美.这种美乍一看,可能平淡,但再看以后觉得内涵比较丰富,有值得仔细端详,耐心琢磨的地方.人像摄影要讲究性格化,拿少女肖像来谈,她们都有其个性和共性,对于乐观开朗的,沉静腼腆的等等各种不同性格气质特点的人,就需采用不同的艺术处理手法.这些,我们在观赏秋山庄太郎的作品时是不难体会到的.

加 兰 宁 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:44:22 生 平 简 介 苏联著名摄影家加兰宁,经历了近五十年的摄影生活.起先任《莫斯科晚报》摄影记者,后在《画报》、《建设中的苏联》及塔斯社工作,《苏联画报》创办之日起,他就一直在那里工作,画报上许多形象生动,有强烈的政治力量的摄影特写,组成的专题照片,不少出自加兰宁之手,他善于从苏联人民普通的日常生活中发现有普遍意义的积极主题,苏联人民生活中一些有重大意义的活动,几乎都在他的镜箱里得到反映.有人称他是政治摄影家,也有说他的作品构成了苏联的编年史,总之,他的作品大多与摄影报道联系着.当他以高度政治敏锐性,足够的修养和业务技巧,出色地完成报道任务的同时,他也同时创造了优秀的具有美学价值的摄影作品. 作 品 选 介: 纺 织 女 工 此主题相关图片如下： 从事工业摄影的人,往往迷恋于高大的厂房,明亮的车间、新式的设备等等.久而久之,人们开始感到路子越来窄了,几乎到了山穷水尽的地步.这种"见物不见人"的摄影意识是使人陷于困境的主要原因.工业摄影也是要使对人的描绘,对人的富有诗意的表现,成为创作中心.然而,从着眼于事物、着眼于人的转变以后,照片就一定拍得好吗?也不竟然.实际上,从事工业生产中的人物肖像的拍摄,如果不深入观察体验,不进行创造性的艺术构思,也是容易拍得呆板、老一套的.我们看过多少那种神情呆滞,动作僵硬,导演摆布出来的,令人而生厌的照片啊!看了加兰宁拍摄的这幅《纺织女工》,将使我们得到极大启发. 首先,加兰宁摄影创作的着眼点是表现人,是社会主义新人的精神面貌,而不以厂房、设备作为主题,这是他高明之所在.其次,在对人物精神面貌进行诗意描绘的时候,加兰宁一点也不脱离人物生产劳动的环境特点,也是说,力求展示典型环境中的典型人物性格:她在劳动着,但她一点也没有感到沉重、疲乏的神色;她的神态是聚精会神的,一丝不苟的,同时又是极为轻松、愉快的,这是摆脱了人剥削人、人压迫人的制度以后,把劳动当作苏维埃国家,为工人、为农民、为知识分子,当然也包括她自己创造幸福生活的手段,才可能具有的心境.作品的摄影造型也极为优美,用逆光,高调,赋予作品以柔美的情调,前景上纱线排列有序,形成轻快的节奏感.这些,都贯注了作者美化劳动、美化画面的艺术匠心.据说苏联摄影艺术展览在阿根廷展出时,布宜诺斯艾利斯的工人看到这幅展现共产主义新人的照片时,深受感染,人们紧紧握着随展去访的该作品的作者加兰宁的手不放.生动地表明摄影艺术不受语言、种族、地理的限制,对增进各国人民的了解和友谊起了重要作用.

比索夫 (１９１６～１９５４年) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 13:48:55 生 平 简 介 比索夫 (１９１６～１９５４年) 瑞士人,１９１６年生,１９５４年卒,终年仅３８岁.起先从事绘画.他的父母强制他到苏黎士的有名的绘画雕刻学校学习.在这里,他学会了摄影,并充分掌握了摄影艺术运用光和影进行造型的技巧.一开始,他主要搞静物摄影,进行纯艺术的探索和创造.后来他更多地接触了社会实际,目睹了战后欧洲社会的动荡不安,人民生活的苦难和忧患,他思想上起了激烈斗争,他开始酌情,觉得自己再也不能保持中立,或者仅仅从事象牙之塔的纯艺术活动,他毅然地和以前的艺术道路决裂,更多地转向以反映现实生活,反映人民的真情实感和社会风俗为主的创作活动.他到过越南、朝鲜、印度、柬博寨、美国和东欧、西欧许多国家,他一直不断地旅行,在世界各国人民的生活中寻找创作题材,吸取创造灵感.他把自己的全部精力都贡献给摄影创作.由于他的创作在取材和艺术表现上都有自己的风格特点,他的那些极富地方特点,国家、民族风貌的卓越多姿的人物照片,世界上许多有影响、有名望的画报都乐于刊登他的作品.比索夫曾立下宏愿,他要拍下世界上各个国家、各个民族的人民生活照片,但他不幸,在一次旅途中遇到意外事故,过早地离开了人间. 作 品 选 介: 饥民 (１９５１年) 此主题相关图片如下： 摄影艺术与生俱来的本性,就是能够真实地记录客观现实.尽管摄影艺术在发展过程中自始至终存在着是从客观现实出发,还是从主观意识出发这样两种截然不同的美学观点,他们各自都有自己言之有理,持之有故的理论和实践,来证明自己存在的合理性和必要性,但是,人们依然有充分理由相信,立足于现实的摄影作品有着任何艺术都不可比拟的强大生命力.比索夫的作品证明他是信奉这种观点的.这张纪录印度比哈地方大饥荒的纪实作品没有干裂的土地,破败的农舍,一切都可能有的背景和相关的细节,但却有着足以震撼人心的艺术力量,这是为什么?这是因为作者以敏锐的观察,抓住了饥民求乞时悲哀、凄苦、绝望无力的神情;怀里的孩子和乞求施舍而伸出的双手,虽然也在一定程度上帮助了主题的表达,使作品最后成功之处在于它传神,"神"也就是人的性格特征和典型的神情姿态,这是最能打动人心的东西.是不是到生活里去就人人都能象采蘑菇一样,毫不费力,俯拾即是呢?当然不,它要靠摄影家深入观察,深刻体验进行分析思考,比较研究以后才获得的.比索夫在东南亚,在印度进行采访摄影过程中,长途跋涉,广泛了解,对遭受灾荒的人民群众的苦难生活有了真情实感,这种才能通过有限画面高度精炼、概括地反映出来. 在庙宇花园里 (１９５２年) 此主题相关图片如下： 雪花飞舞,青松挺拔,僧侣们打着伞在花园里面漫步,此情此景,把观众带到一个银白色的清幽境界,令人不胜神往.拍摄风土人情,人们已经突破了只有晴天朗日,从上午九点到下午四点才好拍摄的陈规.更多从一早一晚去寻觅美丽悦目的镜头.实际上,风霜雨露,雷鸣电闪,各种气候条件,不同季节时辰都可以拍出好照片来.比索夫在这隆冬雪天,不是同样创作了一个十分动人的境界吗?当然,不同情况下,为了创造特殊意境,是要采取一定手法和造型手段的.比索夫为了创造雪的气氛和清幽境界,他特别注意使用慢门,让雪花飞舞的痕迹在底片上曝光,并利用院墙、树林等深色背景来衬托、烘托,因而取得了理想的效果.

斯梯格里茨(1864-1946年) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:01:10 生 平 简 介 斯梯格里茨(1864-1946年) 斯梯格里茨是纯粹主义摄影派的创立者,虽然,他也曾一度热衷于绘画主义摄影.不论什么时候,他都把提高摄影艺术的地位,作为自己奋斗目标.他又极富创造精神,他说"我创制每一张照片,即使是同一底片,也都当作一次新的难题,新的经历."他对摄影艺术总是抱着革新进取的态度,从不顽固守旧,即使是到了晚年,对新出现的现代摄影诸流派,也不固守传统法则,从不揶揄排斥. 斯梯格里茨的这种艺术上的宽容旷达态度,与他的生活经历、见识抱负有直接关系.斯梯格里茨1864年出生于美国新泽西州,家庭富裕,从小接受多方面文化熏陶.1881年举家迁欧,斯梯格里茨就读于柏林工艺大学,起先学机械工程,后来转学摄影化学,这是他后来从事艺术事业的契机.实际上,留欧期间,他作为业余摄影爱好者,已显露头角.1890年,年青的斯梯格里茨留学归国,他带回祖国的是对发展摄影艺术的信心.他在欧洲一方面学习了十九世纪的艺术传统,一方面萌发了超越传统创造独特风格的强烈愿望.他到德国、意大利、法国、瑞士以及澳大利亚拍照,不仅领略了丰富多彩的风土人情,也见识了纷繁多样的艺术奇葩,他的眼界开阔了,见地深化了,于是他憋足了劲头开拓摄影艺术的新天地.1897年,他创办了《摄影评论》;1920年;他创立了"摄影分离派",并在291画廓举办分离派影展;1905年又编辑了《摄影作品》季刊,这些,培育了美国一代摄影新人,左右了艺术的潮流,使之向着健康质朴的道路迈进. 斯梯格里茨也是最早使用小型照相机进行摄影创作的革新人物.他实行抓拍,他的名言是:一切成功于均衡的瞬间. 作 品 选 介: 女 像 此主题相关图片如下： 斯梯格里茨认为人们的面孔特征,是取之不尽的宝库,是最有吸引力的形象.因此,凡是和他交往的人,都是他最好的肖像模特儿.这一幅只照了部分面孔的《女像》模特儿是斯梯格里茨的好友洛曼夫人.摄影家只照了面孔的一部分,在本世纪初还是一种绝无仅有的"特写"形式 当然,斯梯格里茨也是特别注意了那双带有温情与智慧神色的眼睛的.这样富于性格特征的大特写,使他开创了一种新的艺术形式.斯梯格里茨是何等富于独创精神而领先于摄影界啊! 终点站 (1893年) 此主题相关图片如下： 自然主义摄影家爱默生提倡摄影要"回到自然生活中去"的主张,影响是深远的.尽管爱默生本人后来扬弃了自己的理论,但召唤起了一大批年青摄影家进行摆脱传统画意的摄影创造.其中,以斯梯格里茨为首的十二人"摄影分离派"运动,为的是使摄影脱离绘画性,返回到"纯摄影"的本质.1893年2月2日的一个大风大雪天气里,斯梯格里茨使用一种小型相机,在"五号街"等了三个多小时,拍摄了这一幅远路而来的客运马车.冬日的风雪,到站的车、真实气息,是过去使用大相机和刻意布置对象的方式所不可企及的.斯梯格里茨把摄影艺术捕捉和直接反映现实生活的能力充分发挥了出来.这幅作品成为摄影史上的里程碑,它标志着摄影艺术创作从室内的匠心雕琢,转到户外奔腾着的社会生活各个领域,以迅捷的方式进行创作的"现代摄影"的开始.因此人们称斯梯格里茨为"现代摄影之父", 同时,斯梯格里茨也认为使用小型相机无法拍出真正的作品.他抱怨制造商的宣传,会导致人们依赖照相机的简便而忽略谨慎地创造,他针对使用小型相机的人,急急忙忙按快门的居多,提出"使用小型相机拍摄作品'忍耐'是绝对必要条件."就是说要仔细观察、等待时机,去选择那"均衡的瞬间".这幅《终点站》正是实践他的创作主张的精采之作.

阿威顿 (1923～ ) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:06:27 生 平 简 介 以拍摄时装照片闻名于世的摄影家里查·阿威顿,1923年出生于纽约最繁华的市区曼哈顿,青少年时曾有过从事文学创作和当一名出色的演员的强烈愿望,后来,终于迷恋摄影艺术.他的摄影艺术从来不受绘画的影响,他坚持认为:照片就是照片,就是说,他在以时装为主要题材进行摄影时,充分运用了摄影的独特性的重要方面----瞬间的动态.他的拍摄对象,那些盛装浓抹的明星或身着时装的模特儿,都被一再告诫不要在他的镜头前骚首弄姿,扭妮作态地等待拍摄.大多数情况是,在被摄者各自的生活中,被阿威威"发现""猎取"下来的神态生动的有着瞬间美感的照片.因为这样,阿威顿能在资本主义世界的时装照的汹涌波涛中超拔于世而 倍受推崇. 阿威顿的人像摄影同他的时装摄影之间似乎完全没有什么联系,人们无法把他处理这两种题材的作品看成是出自同一摄影家之手.他的人物神采飞扬;人物作品则是静观默察中拍摄的神情冷漠的结晶体.他的人像作品确实没有多少使人产生美感的"欣赏性",缺乏那种引人共鸣的感性因素,然而,其中却不乏冷静的思考,理性的真实.因此,对阿威顿的人像作品,不能用惯常的人像观念来考察、来衡量,只有突破传统观念的束缚,按照阿威顿的美学理想来观察时,才能领会作品中的奥妙并得到新的启发. 作 品 选 介: 外套 (１９５７年) 此主题相关图片如下： 身穿外套,手撑雨伞的妇女,纵身跳起,这一飞动的姿态非常引人注目.阿威顿的动态时装照已经超出"时装摄影"的一般概念,而具有社会风情味,至少也是揭开一个生活阶层,即与西方时装行业相联系的一层女流世界.阿威顿把镜头伸向饭店、赌场、酒吧间、咖啡馆、赛马场、舞台和大街小巷,主要是为了显示各种服装款式的情调,但同时作为摄影作品,也充分发挥了摄影表现能力的独特性.他重视模特儿的动态表现,是把时装模特儿当作一个生活中的实在的人来描写.这是阿威顿不同于其他时装摄影的主要特色. 艺术家 (１９７６年) 此主题相关图片如下： 阿威顿在他的摄影室里拍摄的人像,绝大多数都是正面朝着照相机,直视镜头,没有表情,平白的背景,平白的照明,就是说,阿威顿把一切附加的条件全都取消,只剩下他的拍摄对象本人,这就是他所追求的----一幅用照相机纪录下的一个人物实体. 由于阿威顿的人像作品展出时,放大尺寸比较大,一般都略超过真人原型.这种大尺寸照片,酷似生活中真人的效果,不但使人产生感性共鸣,而且具有强大的理性的冲击力.西方评论界把这叫作"赤裸裸的真实",认为具有"现代精神". 律师双人像 (１９６９年) 此主题相关图片如下： 阿威顿的这幅《双人像》是略带表情的,这在他的作品中是仅有例外.实际上,这种表情也是冷漠、僵硬的. 阿威顿所有人像作品,都带有底片上的边框黑边.这也是他显示不加修饰、不事剪裁的"赤裸裸"方式.阿威顿说:"对我来说,照片所给我的真实感受往往是人们所不能感受到的.我是透过照片认识那些被照的人."他要自己的拍摄对象就是他自己,不化妆、不修饰、不作表情、不摆姿式.再用全白、平广的背景和极均匀的人造光来拍摄下人物的每一丝的细节,一切都要清清楚楚,一览无余.也许,这就是阿威顿摄影风格的重要元素吧.

艾森斯达特(1898- ) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:08:32 此主题相关图片如下： 生 平 简 介 艾森斯达特(1898- ) 1898年生于德国西部的迪尔夏市.在他十二岁生日时,他的叔叔送给他一架三型依思曼照相机,从此他便成为一个狂热的摄影爱好者.1927年里,他拍摄的第一张照片得到人们的首肯,给了他以鼓舞.1929年美联社把他派往斯德哥尔摩拍摄托马斯·曼获诺贝尔奖金的授奖仪式.1935年到美国,开始为《生活》杂志工作.据他本人自述:"1921年拍第一张照片时,并没想到日后会以摄影作为终生职业.到现在已拍了至少有百万张照片,正如许多老摄影家一样,黄金时代已经过去,当时身强力壮,左右逢源,然而老实说,即使如今我在拍摄时,还和当初业余搞摄影时一样愉快和激动,假如说,在我的事业中有任何秘密的话,那就是我一直保持着原来的热情.我所负担的每一项任务,都是以首次制作时的那种热情来从事工作.只要当初所具有的业余摄影家那种勤恳钻研和虚心学习的精神一旦消失,我就不可能拍出好照片,创造性因素也就随之消亡."搞摄影创作需要有热情这是非常宝贵的创作经验谈. 他的作品大多数是报道性的,因此,他惯于使用小型照相机,他有五台莱卡倒换使用.在用光上,他的作品有一半是自然光,一半是人造光.他说:只要对改进工作可能有帮助的任何事情他都愿意做.也就是说,任何摄影的新器材,新技法,新形式他都不拒绝,表明了一个报道摄影家肯于接受新事物的开放态度. 他的作品有五十余幅被《生活》杂志采用为封面,这是表明他艺术上成熟的程度和创作的实绩.1954年为纪念他的摄影创作生活25周年曾为他举行个人展.共展出经过精选的作品200幅.1958年美国《大众摄影》杂志组织国际性评选,艾森斯达特被选为世界十大摄影名家之一. 作 品 选 介: 孟瑞教授 (1952年) 此主题相关图片如下： 这幅作品有两点值得注意:一是主人公不是正襟危生,而是斜躺在沙发上凝神沉思.肖像摄影的取材,形式本来应该是多种多样的.有的肖像摄影家时而感到苦恼,觉得拍来拍去老一套,连自己看了都感到腻味.应该说,这种现象的出现是由于作者对摄影对象、对生活还不了解,研究得还不够的缘故."生活之树常青",生活中的人千姿百态,怎么能拍得尽呢?艾森斯达特拍这位老学者,按照主人公习惯的生活方式,思考方式,顺乎自然,顺理成章,使作品既得内容之深,又创形式之新,可说是一箭双雕. 值得注意的另一点是:这幅作品不按拍老年人的惯用手法如用散漫光,把皮肤皱折拍得光润洁净,而是用强烈的侧逆光,照明,单灯,造成强反差,使须眉毕露,头顶和皱纹都毫无掩饰地表现出来,强调了老人为人治学的刚强、坚毅的精神.老人那双深邃锐利的眼睛如此传神,这得力于侧逆光的运用.艾森斯达特作为报道摄影家,既用自然光,也用人造光,这里介绍的两幅作品都是用人造光拍摄的. 奥葛史塔斯 (1952年) 此主题相关图片如下： 同样的环境肖像,艾森斯达特和纽曼摄影作品的艺术格调就大不一样,纽曼的作品往往是画面上人物占据的面积小而环境大,艾森斯达特的则往往是人物大而环境只占极小面积.这种差别,不仅反映了作品用途不一样:艾森斯达特多从刊物封面照片着眼,因此,人物要拍得大些.同时这也反映了他们在摄影美学观上的不同.从报道、再现这个角度出发,摄影创作的美学原则是要告诉人们拍的是谁,他们是什么样子.而从创造、表现这个角度说,摄影作品的美学原则便不仅要人们知道他是谁、他是什么样子的,而且要更要多地向人们揭示"他为什么是这样的."美学观念不同,创作的兴趣和艺术处理手法当然也不相同.这一切以摄影家的摄影意识和对客观现实的理解及习惯的艺术手法而定.奥葛史塔斯是英国的大画家,人们对他的作品并不陌生,因而作品在画面中只取局部.而奥葛史塔斯本人则是广大读者所关心并迫切希望一睹他的尊容,因此,摄影家艾森斯达特就以特写形式,着眼于表现被摄者"是什么样"的创作原则,把他的外在特征和内在精神揭示给观众.此作曾被美国《生活》杂志选作封面.

阿 波 特 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:13:38 阿波特和《构成》 此主题相关图片如下： 作者阿波特１８９１年生,美国人,曾留学德、法.初期拍人像,后拍摄城市风光、建筑照片,再以后拍摄植物、生理照片、机械产品照片,间或也拍摄抽象性照片. 《构成》是阿波特后期作品,有写实和抽象结合的意味.画面的构成是在玻璃板上置铁粉,玻璃板下有一块磁石.磁石的强大吸引力,使铁粉形成以磁石为轴心按运动轨迹,出现同心圆加放射形的有规律的纹路.画面右边有一把钥匙,它可能不是铁金属、也可能是铁质,因为份量重,磁石对它不起作用,在满纸流动的线条中,它呈现出极厚重的稳定感,吸引人的注意.铁粉和钥匙形成强烈的对比,其中钥匙占重要的地位.它虽然是以陪体的面目出现,但是举足轻重,不可忽视,才打破铁粉形成的单一的弧形图案、使虚幼的画面出现了实体物的真实感和写实风味.这种虚与实的结合、抽象与具体化的结合是原抽象派摄影的重要的艺术特征.显示了从写实走向抽象的转变过程.从艺术上说,一方面,它还具备着一定的认识价值,因而不是毫无意义的,另一方面,它在探索形式美方面,能给人以启示,引起一些人注意.

罗贝尔·杜瓦诺 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:26:44 生 平 简 介 罗贝尔·杜瓦诺，1912年生于巴黎南郊的香提衣村。家里不太富裕，只受过村立小学的初等教育。十五岁时，被送到巴黎埃蒂安纳印刷学校学习石印技术。毕业后就留在该校附设的印刷厂工作。1930年，十九岁的杜瓦诺转移到一家专门做药品广告的广告社，开始从事广告设计和广告摄影工作。第二年，跟着当时著名的摄影家安德烈·维尼沃，充当他的助手，学习摄影技术，大有长进。1932年，二十一岁的杜瓦诺第一次出售了他所拍摄的照片。1934年，杜瓦诺在法国有名的雷诺汽车厂摄影部找到了一个工作。但是他早晨上班，老是迟到，于1939年被厂方开除。二十八岁的杜瓦诺打算无拘无束地在摄影创作上大展宏图，不料希特勒发动了侵略战争，并于1940年占领了法国。年青的杜瓦诺眼瞧着他心爱的巴黎，遭到法西斯暴徒的蹂躏，怀着满腔怒火，参加到反法西斯的地下斗争行列中去，用他的印刷技术和摄影知识，为抵抗运动印刷各种文件和宣传品。1944年巴黎解放时，杜瓦诺拍摄了许多具有历史意义的照片，受到了人们的重视。 1945年，第二次世界大战结束。杜瓦诺在他的自传中写道："我终于获得自由，可以献身于我一心热爱的摄影事业了。对于过去虚度的时间，现在要努力收回在。"杜瓦诺这样说，也这样做。他开足马力，进入了创作旺盛的40年代和50年代，拍出了许多脍炙人口的精采照片，以他所特有的幽默和风趣，征服了广大观众，获得了很高的声誉。1947年，柯达公司发给他以优秀作品奖；1956年，他又荣获西方摄影界中公认为最高的荣誉－－尼埃普斯摄影奖。为了把杜瓦诺这种独树一帜的摄影风格保存下来，宣传出去，1973年曾经拍摄过一部叫《杜瓦诺眼里的巴黎》记录影片。1968年，五十七岁的杜瓦诺在法国国家图书馆举办了第一次个人影展。十一年后，巴黎现代艺术博物馆又为六十八年的杜瓦诺举办了他一生杰作的回顾展。1983年4月，中国北京美术馆展出了杜瓦诺的作品，受到了广大观众的欢迎和好评。 作 品 选 介: 左 右 为 难 此主题相关图片如下： 杜瓦诺喜欢泡在巴黎平民中,常到小咖啡馆里去猎取镜头.有一次,他看到一位浪漫成性的舞女,当她坐在地板上休息时,她的一条胳膊,满不在乎地搭在她身边一位老先生的大腿上.这位老先生的夫人,显然已经发现了发生在她眼皮底下的这一令人无法容忍的越轨行为,她怒容满面,心中很不高兴.这就使得夹在中间的那位老先生,陷于左右为难的尴尬境地.人们指出:幽默,风趣,具有浓郁的生活气息和人情味,是杜瓦诺摄影作品最引人入胜的独特风格. 各 有 所 思 此主题相关图片如下： 在巴黎的一家酒馆里,一对新婚夫妇在喝酒,陶醉在幸福的喜庆之中.她们的身旁,各有一位王老五,显然还没有找到对象,只好瞪着眼睛,痴情地望着女售货员……杜瓦诺用闪光灯抓住了这个妙不可言的瞬间.人们说杜瓦诺很象法国的写实主义作家都德,他总是用一种温柔的、幽默的眼光注视着周围的芸芸众生,并且用同情的态度进行拍摄,因此他的作品总有一种亲切感.

黄 杰 夫 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:29:35 黄杰夫和《砍柴女》 此主题相关图片如下： 马来西亚摄影家黄杰夫以拍摄风土人情著称于世,曾获英国皇家摄影学会,国际摄影艺术联合会高级会员头衔.几十年的摄影生活中,他走遍马来西亚各土族丛林地区和东南亚各国如印度、尼泊尔、泰国,也几次到中国进行摄影创作.这些不同国度、民族人民丰富多采的生活、情趣迥异的风俗以及鲜明生动的性格,他的作品里得到反映.一个外籍摄影家来到语言、风俗完全不同的国度,能不能拍好照片,特别是到了一些原始的土著民族地区,旅途艰险,生活上不容易适应外,拍摄活动能不能为土人所理解,黄杰夫的经验是经过长期努力,以及友好的感情同土人交往,逐渐增进友谊,成为真正的朋友,然后才有可能拍到富有地方特色的生动照片.这幅《砍柴女》表现高原少女纯朴的气质,勤劳的品格,有浓郁的生活气息.原作为彩色片.

罗宾逊 (１８３０～１９０１年) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:32:18 生 平 简 介 罗宾逊 (１８３０～１９０１年) 亨利·皮奇·罗宾逊是英国的一位画家出身的著名摄影家.他开创和倡导了一代绘画性的摄影艺术,成为绘画主义摄影派的先驱和主将.１８５８年他用五张底片合成制做了一幅以反映世俗生活为题材的绘画性作品《消逝》而引起强烈反响.他是继雷兰达之后,又一次用绘画性的摄影作品向公众证明:摄影也是艺术.不过他的途径始终是在模仿绘画艺术的道路上走着.罗宾逊从日常生活和文学作品中寻找题材,他的创作过程同画家作画的方法相同,即是从勾画出草图、物色模特儿、服装、道具、布置环境、训练和摆布模特儿的表情和姿态,分别拍摄在底片上然后进行拼接合成为一幅合乎主题的完整画面.由于罗宾逊的创作多是在室内进行,选择模特儿扮演、考虑服装、道具和装置戏剧舞台一样地布置环境,这种方法也开创了照相馆人像摄影的虚拟环境风尚,很快地风糜全世界.１８６９年他出版了一本《摄影的绘画效果》一书;１８８４年他又出版了一本《照片的构图法》一书.这两本书当时被当作艺术摄影的指导书籍,同时也是最早的摄影美学名著.这两本书广为流传多次再版,从而在实践上和理论上增强了绘画派的影响.他在上述著作中制定的规则,与绘画法则相同,因此有的批评家说:"他是一个遵守法则进行组合式绘画摄影的高僧."罗宾逊的照片合成技法,为后来电影艺术的先驱者梅里爱在电影中搞特技合成技巧,提供了摄影技术的依据,促使了电影艺术的发展. 自从罗宾逊第一幅《消逝》以后,他每年都向展览会提供一幅或几幅绘画性的摄影作品,同时也就成为引起言论的话题.有人批评他的作品有明显的矫揉造作,他只模仿了一种已有的艺术而放弃了生活的新鲜生动性.尤其是受到"自然主义"摄影家爱默生的猛烈抨击,说他所倡导的"绘画派"摄影是一种支离破碎的拙劣手法,靠剪辑与合成来拼凑照片,题材陈旧,内容空虚,完全陷入学院派绘画伤感情调的泥坑.然而,在摄影产生的初期由于器材笨重,工艺复杂,绘画派摄影家们实验了多种制作技巧,创造了各种仿画式的摄影方法,为摄影艺术的发展作出了重大贡献.罗宾逊本人也有不可磨灭的理论和实践的历史建树,是摄影史上很重要的一位杰出摄影家. 作 品 选 介: 消逝 (１８５８年) 此主题相关图片如下： 这是一幅由五张底片组成的,以表现一个少女弥留之际悲怆情景的摄影名作.画面上的四个人物:斜躺着的少女,背后的姐姐,对面的母亲和面向窗外的男子(少女的未婚夫)都是用模特儿化妆扮演的.据说罗宾逊为了使人物有恰当的表情和自然的体态,曾经花了三年时间进行演练.这是一幅典型的绘画主义派摄影作品.这幅作品一经展出,就引起了纷纷议论.争论的焦点不是在模仿绘画的形式,而是认为罗宾逊所要反映的人生悲伤,描述亲人对少女将逝时的哀痛情节处理得太逼了.特别强调不应该用摄影来表现这类题材.这也说明当时人们已经注意到了摄影艺术具有反映真实的现实的宝贵品格,不能不加分析,毫无选择地滥用.但是罗宾逊的《消逝》证明,按绘画主义摄影原则进行精巧构思,周密布置,是可以拍出有生命力的摄影作品的.

卡梅伦(１８１５～１８７９年) -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:35:05 生 平 简 介 卡梅伦(１８１５～１８７９年) 朱丽亚·马格丽特·卡梅伦１８１５年出生,是摄影史上早期有名的女摄影家. １８６３年,她４８岁的时候,子女都已长大,她的女儿、女婿送她一架照相机作消遣品,附言中说:"妈妈,当你寂寞时摄影也许会令你愉快."这时摄影术诞生不过二十年左右,处于"湿片"时代.卡梅伦夫人开始了她的摄影活动.她把放煤的屋子改成了暗房,把装有玻璃窗的养鸡棚改成摄影,她的摄影对象,首先是自己的子女、佣人、邻居.由于她和大诗人田纳逊及画家委斯是极要好的朋友,她本人本来就有很好的艺术修养,因而一旦热衷于摄影艺术,自然地就有不同凡响的效果.在近二十年的摄影创作活动中.她独具匠心地拍摄了一种用人物化妆,扮演成希腊神话中的"神"或"人".例如他把年幼的儿子化妆成爱神丘比特;侄女扮成魔鬼奇尔克等.尤其是她还为当时田纳逊所著的《国王亚瑟田园生活故事》所作的摄影插图,也是很有意义的艺术创造. 然而,卡梅伦夫人在摄影史上留下来更重要的作品,还是"名人肖像",她对人的性格有敏锐的观察力,善于通过人物的外形表现其灵魂深处的精神气质,为了强调她的性格观察,她不同一般地采用了照明效果和特写镜头.她写道:"当我的照相机前站着这样一位人物时,我的全副精力都落在怎样忠实地记录被摄者的内在神韵、以及他的外在容貌……这样摄得的照片,其状当如一位祈祷的化身."评论家认为:"她独具个人的风格,善于在他们作品中表达女性之美.她的作品构图,也暗含拉菲尔派的绘画风格,强调捕捉不经修饰的自然之美." 卡梅伦早期是绘画主义摄影派,后来转向印象主义摄影派.她是印象派摄影创始人之一.她强调摄影家刹那间印象的表达,艺术上,不求精细锐利的线条, 而追求柔和的美,因此具体手法上常常故意不把焦距对得太实,使用老式光学镜头或者镜头上轻轻涂抹一层油脂,以改变镜头反射角和焦点,造成柔和效果.这个摄影流派的艺术特色,我们从卡梅伦的作品中当可有所领略. 作 品 选 介: 丘比特在休息 (１８２７年) 此主题相关图片如下： 丘比特是希腊神话中的爱神,是和平和幸福的象征.卡梅伦以之为题材,表现了她对人类的美好心愿,和作为女性,作为母亲的温馨的柔美的心理素质的反映,卡梅伦是早期绘画派的巨匠.绘画派的特点是以绘画为旗帜,追求画意、崇尚古典,视"美"为艺术的最高宗旨.卡梅伦的创作深深地烙印着绘画派的痕迹.比如这幅作品里,以希腊神话为取材对象,就是典型的绘画派手法.绘画派的开山祖们的作品,不是取材于希腊神话、宗教故事,就是古典文艺作品.其次是构图用光,绘画派也都按照古典绘画的构图法则结构画面.这幅作品和谐恬静典雅的气氛及匀称的构图也是规范化的.随着历史的发展,人们越来越不满足于绘画摄影的模仿刻板公式,而更多地注意发挥摄影艺术特有的功能和创造性表现.但是,从唯物史观出发,当摄影艺术发明不久,摄影的特质和它的艺术表现力还未充分的情况下,不少人献身于摄影艺术的创造,在争取摄影艺术的社会地位,推动摄影向艺术境界发展有不可磨灭的贡献,卡梅伦夫人的作品的历史价值也正在这里.

甘 金 -- 作者：大浪淘沙 -- 发布时间：2004-4-29 14:36:37 甘金和《保卫布列斯特的英雄在十五年后重逢》 此主题相关图片如下： 这是苏联摄影记者甘金的一幅名作,它最先发表在《苏联妇女》杂志上,后来又在《文学报》上刊登,１９６０年,在莫斯科国际摄影展览获金质奖.一幅现场抓拍的新闻照片为什么成为脍灸人口的摄影艺术品呢?这是因为他再现了蒙受了战争的巨大灾难并不屈不挠进行艰苦卓绝的生死搏斗的英雄苏联人民的崇高思想感情.这张照片引起了苏联国内外许多人的强烈共鸣,在艺术上也有颇资吸取的宝贵经验.这一点,苏联的雕刻家柯宁科夫在第一届全苏艺术家代表大会上的发言,曾作出这样的深刻的分析的概括: "我想念许多人看到这幅照片都很感动,摄影家刻划了三个普通人----卫国战争时期的老兵在长期离别后在莫斯科重逢的时刻.他们互相拥抱.刚毅坚强的脸上流着悲喜交集的眼泪.我们看到这些男人的眼泪,一点也不奇怪,因为我们知道,这些普通人在战争一开始就英勇地尽了自己保卫布列斯特要塞的天职.他们尝尽了被法西斯俘虏的一切可怕滋味,历尽了千辛万苦.所以,当你看到这些吃过这么多苦,这样令人敬佩的同时代人的脸,才会感到无比激动.他们仍然为保卫祖国的光荣生活而劳动着、生活着;肉体上和精神上的创伤并没有使他们意味消沉.当你看到这张照片时,你就会不由得想到,多少崇高的题材逃过了我们的视线."确实是这样,摄影家、记者甘金的作品不仅给人以崇高壮美的美学感染,而且在创作上给人以重要启示.

[此贴子已经被作者于2006-4-9 16:48:07编辑过]

哗,好多资料,,,慢慢学习中~~

太多了。要好好学　　　

资料好全啊,学习学习^^

掌门好厉害!收集这么多资料.学习学习^^

    谢谢楼主指点

致敬

LZ辛苦了~~~~~~~~~

厉害厉害，那么多好东西，弄起来肯定很辛苦

楼主很辛苦的 顶下~！！